6 самых спорных произведений искусства XX века, которые приводят в ступор

[ис]

6

6 самых спорных произведений искусства XX века, которые приводят в ступор

XX век принес новые радикальные способы самовыражения: от модернизма и фовизма до кубизма и дадаизма. Многие произведения искусства, созданные в этот период, буквально потрясли мир и стали предметом споров не только среди посетителей художественных выставок, но и в среде профессиональных искусствоведов. Дискуссии на тему, где заканчивается искусство и начинается радикальное самовыражение, ведутся до сих пор, а в пример приводятся работы, которые, несмотря на свою неоднозначность, стали невероятно популярны и известны всем ценителям искусства.

Где заканчивается искусство и начинается радикальное самовыражение


Вопрос о границе между искусством и радикальным самовыражением обсуждается до сих пор
Истинный художник всегда наполняет свое искусство, будь то литературное произведение, фильм или живопись, своим внутренним монологом, своими убеждениями и идеями. Нередко художники сознательно или подсознательно впитывают изменения в окружающей их среде и передают эти ощущения в своих произведениях. Эти изменения могут быть социальными, политическими, экономическими или технологическими.

Так ХХ век, с его мировыми войнами, промышленной революцией и бурными преобразованиями в социальной сфере принес радикальные перемены в творчестве многих людей, которые стали достаточно масштабными по сравнению с классическим влиянием Ренессанса XIX века. Во всех видах искусства начали стремительно появляться новые идеи, теории, символы и техники, начали возникать новые художественные направления - абстрактный экспрессионизм, кубизм, фовизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт и другие. Творческие люди получили беспрецедентную возможность самовыражения.

Некоторые работы были настолько шокирующими, что вопрос «Является ли это вообще искусством и как отличить искусство от радикального самовыражения?» - возникал не только у зрителей, но и у профессиональных искусствоведов. Но однозначного ответа на этот вопрос, вероятно, не существует, потому радикальное самовыражение является составляющим искусства, это проявление души художника и результат его уникального дарования. Философская граница между этими понятиями сильно размыта и зависит от намерения, роли создателя и потребности зрителя в конечном продукте.

Марсель Дюшамп, Фонтан, 1917 год


Инсталляция Фонтан
Самым противоречивым произведением искусства, вызывающим многолетние споры, является работа французского художника Марселя Дюшампа «Фонтан», которая в начале ХХ века произвела настоящую революцию в творческом мире.

История началась с того, что известный художник Марсель Дюшамп приобрел обычный писсуар, нацарапал на его нижнем крае вымышленное имя «R. Mutt» и поставил в художественную галерею под названием «Фонтан».

Люди смотрели на этот предмет и по-разному выражали свои эмоции. Кто-то называл это безобразием и был возмущен тем, что обычный писсуар выставляется как престижное произведение искусства, кто-то назвал это вершиной радикального самовыражения художника, который уже имеет имя.

Сам Дюшамп позднее прокомментировал свою работу как преднамеренную провокацию, призванную бросить вызов определению искусства. Он говорил, что искусство - в глазах смотрящего, и нужно остерегаться выражать эстетическое наслаждение в том, что по определению не может его вызывать. Он заявил: «Я бросил им в лицо писсуар в знак вызова, и теперь они приходят и восхищаются его красотой».

Роберт Раушенберг, «Стертый де Кунинг», 1953 год


Роберт Раушенберг и его Стертый де Кунинг
Когда американский художник Роберт Раушенберг начал работать в стиле поп-арт, он задался вопросом: «Можно ли создать искусство, разрушив его?». Чтобы получить ответ на этот вопрос, он создал одну из своих самых известных и противоречивых работ - «Стертый рисунок де Кунинга».

Изначально эта идея пришла к нему в начале 1950-х годов и воплотилась в серию работ под названием «Белые картины». Это был набор полностью белых полотен, на которых не было никакого изображения. Но идея стирания собственных рисунков при помощи ластика показалась художнику недостаточной для самовыражения. Тогда он решил использовать для этого полотно Виллема де Кунинга, который считался одним из величайших живописцев движения абстрактного экспрессионизма того времени.

Раушенберг попросил де Кунинга отдать ему один из своих рисунков. Де Кунинг сначала не был в восторге от этой идеи, но потом согласился, сказав, что для чистоты эксперимента он должен отдать ему лучший рисунок, по которому он будет скучать. На стирание рисунка ластиком у Раушенберга ушло около месяца, а потом он оформил его в рамку, добавил надпись «Стертый рисунок де Кунинга» и разместил его в галерее. Сейчас эта работа хранится в Музее современного искусства Сан-Франциско, привлекает зрителей и по-прежнему вызывает много споров.

Энди Уорхол, Банки супа Кэмпбелл, 1962 год


Банки супа Энди Уорхола
Американский художник Энди Уорхол обладал уникальной способностью видеть красоту и искусство в повседневных предметах и ​​событиях, что часто находило отражение в его картинах, изделиях ручной работы и фотографиях. Серия «Банки супа Кэмпбелл», пожалуй, лучше всего иллюстрирует эту идею.

Кто бы мог подумать, что обычная банка из-под супа может стать произведением искусства? Энди Уорхол сам ел этот суп ежедневно в течение 20 лет, а затем представил коллекцию картин с изображением банок супа. Это была беспрецедентная рекламная кампания, которая произвела революцию в мире искусства, а промышленный суп стал художественным символом поп-арта.

Ричард Серра, «Наклонная арка», 1981 год


Наклонная арка Ричарда Серра
Одной из самых противоречивых скульптур ХХ века стала работа известного американского скульптора Ричарда Серра - «Наклонная арка». Эта стальная 15-тонная скульптура длиной 120 футов и высотой 12 футов была установлена ​​в 1982 году на площади Фоли Федерал Плаза в Нью-Йорке, разделив площадь на две части.

Серра потратил два года на разработку концепции своей работы и изучение пешеходных маршрутов на площади. В его замыслах было установить связь между людьми, проходящими через это пространство, и заставить их «переосмыслить» его облик.

Инсталляция достигла этой цели, вызвав шквал реакций от прохожих: от восхищенной похвалы до откровенного негодования тех, кто вынужден был каждый день ходить по этому маршруту. Они считали ее удручающей, а газета The New York Times назвала ее одним из самых уродливых произведений искусства в городе. В конечном итоге спустя 8 лет скульптуру разрезали на три части и убрали с площади, сейчас она хранится в безопасном месте в Мэриленде.

Крис Офили, «Пресвятая Дева Мария», 1996 год


Дева Мария Криса Офили
В октябре 1999 года английский коллекционер Чарльз Саатчи организовал в Бруклинском музее выставку работ молодых британских художников, среди которых была представлена картина Криса Офили под названием «Пресвятая Дева Мария», написанная тремя годами раньше и до того времени остававшаяся малоизвестной.

На картине была изображена темнокожая Дева Мария в окружении порхающих бабочек, но при ближайшем рассмотрении обнаруживалось, что это изображения женских гениталий. Более того, она была написана при помощи слоновьего навоза, который Офили использовал вместо красок.

Будучи образованным и глубоко религиозным человеком, Офили решил провести эксперимент, введя элементы первобытного в известные мотивы живописи, для чего выбрал слоновий навоз. Его применение с древних времен имело множество интерпретаций, которые в контексте истории Девы Марии раскрывались совершенно по-новому.

Однако не все поняли послание художника. Появление этой картины на выставке шокировало многих посетителей, среди них также был мэр города Руди Джулиани, который после осмотра картины пришел в негодование, назвал ее «болезненной и отвратительной» и попытался отозвать ежегодный грант у Бруклинского музея. Однако музей оказал сопротивление и выиграл это дело в суде.

ссылка

[Техас115]

х/ня.